In Other Studios: (It's A Living)

Ricardo González, el diseñador y artista reconocido por su trabajo como It's A Living, es conocido por su estilo distintivo, caracterizado por colores vibrantes y enfoque en la tipografía.

En esta entrevista, Ricardo nos comparte sobre sus reflexiones acerca de la inspiración, la interacción de luces y sombras y lo que significa el equilibrio para él y sus creaciones.

¿Cuál consideras que es tu fuente de inspiración más significativa?

Creo que la fuente de inspiración más grande para mí es la experiencia de vida propia. Los momentos que experimentamos nos forman como personas, al igual que influencian nuestras prácticas. Como creativo, uno de mis sueños es viajar por el mundo y que mi trabajo me llevara a lugares remotos e inesperados, siempre en situaciones diferentes. Esto es que siempre perseguí la incomodidad y el movimiento. Ahora este movimiento se refleja en mi trabajo a través de las letras - La apreciación hacia la imperfección y lo hermoso de fluir.

¿Existe algún mensaje o tema específico que buscas transmitir a través de tu obra?

It’s A Living - Realmente es una filosofía para mí. El vivir libre y ganarte la vida de lo que amas, algo que he aprendido a lo largo de los años conociendo personas en todos lados. Es encontrar inspiración en cualquier momento, es aprender poco a poco. La caligrafía en mi obra se refiere hacia la repetición, la rutina en la vida que a veces pensaremos que es mala, pero después dude tantos años, veo que es necesaria. La repetición también es una forma de expresar consistencia en mi trabajo y al mismo tiempo un contraste entre cada palabra, porque por más consistente que escriba ninguna palabra será perfectamente igual a la otra. Una palabra es una imagen… y una imagen es descrita con palabras.

¿Cómo interpretas la oscuridad en tu obra?

Años atrás leí “In Praise of Shadows” por Tanizaki. Un ensayo sobre la estética Japonesa, el cual me marcó mi trabajo desde ese momento, me enseño a apreciar las sobras y el porqué de cada cosa y acción en la vida.

En mi trabajo como en la tipografía trato de que siempre haya un contraste entre espacio negativo y positivo, esto es en relación con el espaciado entre letras que muchas veces se ve afectado por la abstracción que genera la pintura y las herramientas, algo que muchas veces lo hace ilegible. Esto para mí es la parte contratante “Obscura” y en balance los mensajes siempre se inclinan por un camino positivo.

¿Qué importancia tiene la "ligereza" en tu arte, ya sea en términos de luz, color, peso, u otros aspectos?

La ligereza en mi trabajo se refleja en la caligrafía como “Cursiva” - Es el estilo de escritura con la que más me conecte debido a la fluidez y delicadeza en las letras. La caligrafía es el arte de escribir bellamente y con fundamento, es aquí donde encontré un arte que se pierde con el tiempo.

Las herramientas que utilizo en mi obra también marcan mucho mi estilo, algo que he perseguido por mucho tiempo y que creo que al experimentar con nuevas tintas, marcadores, aerosoles o hasta hacer mis herramientas es algo que beneficia mi trabajo y lo hace más único.

¿Cómo definirías el equilibrio y cómo logras alcanzarlo?

El equilibrio en mi trabajo es muy importante, ya que empecé como diseñador gráfico y ahora mi trabajo está entre lo gráfico y el arte, lo comercial con lo libre de crear. Como diseñador disfruto mucho trabajar con clientes o marcas comerciales, ya que es en cierta forma una colaboración donde busco el respeto mutuo. Como Artista empujo mi estilo, mi arte a lugares donde nunca imaginaria que viviría, como un mural vertical de 15 pisos o un auto de carreras para rally hasta un simple sticker en la calle. Ser artista es una profesión de tiempo completo, y a menudo me cuestiono por qué hago lo que hago, de donde vengo? Y a donde voy… El balance es elemental en la vida así como en mi trabajo, para mí es un estilo de vida.